«Reino dos Céus» («Kingdom of Heaven», 2005), de Ridley Scott

Ridley Scott, prolífico realizador de elevados recursos estilísticos (vejam-se «Alien», «Blade Runner» ou «Thelma e Louise»), não podia deixar os seus créditos por mãos alheias. Assim, criou com este épico mais um momento (visualmente) espectacular na sua filmografia. O problema é que se preocupou pouco com a parte dramática, permitindo o desequilíbrio total entre a dimensão plástica e a dramatúrgica/interpretativa. Se é um facto que possui um elenco com bons actores, caiu na armadilha de ter como protagonista um actor tão fraco quanto Orlando Bloom. Mas para além deste, os outros também não têm muita oportunidade para gerar momentos emocionantes pelo lado dramático, ficando-nos apenas pela emoção das batalhas e dos momentos de inspiração da câmara sempre talentosa de Scott.
Relativamente ao argumento, é óbvia a tentativa de fazer uma colagem com a actualidade para veicular uma mensagem utópica de convivência pacífica entre os povos e as religiões, mas é escusado criticar os erros de fidelidade histórica. Tal como em muitos outros casos, esta é uma visão inspirada por acontecimentos reais, não uma tentativa de descrever com rigor os factos (para isso existem outros objectos audiovisuais com outras ambições). É muito interessante discutir as diferenças entre ambos (filme e história), mas errado apontá-las como defeito do filme.
Em resumo, um bom espectáculo de aventuras que não conseguiu conciliar o deslumbre cénico com o emocional, ao contrário do que aconteceu com «Gladiador».

"A Intérprete" ("The Interpreter", 2005), de Sydney Pollack

Thriller competente como tem sido referido, este filme é o exemplo acabado do produto industrial de excelente qualidade, mas ao qual falta qualquer coisa para atingir um outro patamar ao nível da experiência emocional do visionamento. Os actores são de primeira – o par protagonista é mesmo da nata da interpretação contemporânea -, a realização é segura, o argumento consegue tocar aspectos interessantes e importantes do nosso quotidiano e gera as necessárias ambiguidades para o suspense. Apesar de não atingir a transcendência, filmes destes são sempre bem-vindos.

«A Queda – Hitler e o Fim do Terceiro Reich» («Der Untergang», 2004), de Oliver Hirschbiegel

É importante começar por dizer que o filme mais polémico da actualidade é altamente aconselhável, quanto mais não seja enquanto documento (ainda que ficcionado) da realidade histórica. Independente das qualidades estritamente cinematográficas, que as tem (embora não seja um filme formalmente original nem fulgurantemente clássico), «A Queda» tem o mérito incontornável e fascinante de nos colocar dentro do bunker onde se desenrolaram os últimos dias da personagem mais odiada e diabólica do século XX. De facto, Hitler é-nos mostrado como um homem, e é bom lembrar-nos disso, já que a história o tem figurado como alguém exterior à própria condição humana. A sua personalidade é aqui revelada com mais acuidade e atenção do que é habitual, mas ainda assim permanece um mistério pela sua estratosférica arrogância e crueldade. Bruno Ganz é estupendo a compor o retrato desta terrível personalidade cujos actos e dissertações se limitariam ao risível se não tivessem sido responsáveis por uma onda inexplicável de terror e arbitrariedade. Se não conseguimos evitar a lembrança do genial Chaplin em «O Grande Ditador» aquando dos acessos de raiva do Fuhrer, também sentimos genuinamente que algumas das suas ideias xenófobas e aberrantes do ponto de vista moral se encontram latentes em muitas pessoas (e bem presentes em algumas) nos nossos dias.
Este filme permite constatar muitas coisas interessantes. Por exemplo, que o regime nazi, pelo menos nos seus últimos tempos, assentava muito na devoção e lealdade (com excepções, claro) com que a maior parte do aparelho de estado servia Hitler. De outra forma, este teria sido pura e simplesmente deposto e desautorizado, tais eram as ordens ridículas e as estratégias dementes que proferia. Outra coisa era o magnestismo de Hitler, também causa do factor anterior, que fazia com que muitos inocentes o seguissem sem interrogação (veja-se a sua secretária, nas memórias da qual se baseia em parte o filme).
Em suma, é um filme obrigatório para discutir história e uma possibilidade única de sermos colocados num cenário onde se desenrolaram acontecimentos decisivos na história da nossa civilização. É importante não esquecer e estar sempre atento.

"Birth – O Mistério" (2004), de Jonathan Glazer

Filme sobre o tema mais prolífico do cinema e das artes em geral – os mistérios do amor – «Birth» convoca uma grande actriz para corporizar alguém que vive um grande amor e que, mesmo quando é colocada à prova num teste radical, passa com distinção e revela a sua fidelidade.
O problema mais visível deste filme é a sua pouca emoção, pois o argumento cativa bastante, nomeadamente quando aplica um excelente desvio do caminho seguido até aí. Torna-se pouco relevante se o miúdo é ou não a encarnação do falecido marido de Anna (Nicole Kidman). Independentemente dos contornos misteriosos dos factos narrados, o verdadeiro mistério é o do amor de Anna por Sean, para mais quando a relação que mantinham, sabêmo-lo a dada altura, não era o idílio que imagináramos. Jonathan Glazer não é Kubrick, a propósito das comparações feitas sobre a «frieza» da realização, mas é um cineasta a ter em atenção para o futuro.

«Saraband» (2003), de Ingmar Bergman

Ingmar Bergman é indiscutivelmente um nome maior da cinematografia mundial. É um daquele artistas ímpares, que consegue criar algo que mais ninguém consegue igualar: os grandes planos dos rostos dos seus actores são autênticos mapas emocionais que causam comoção funda na alma do espectador por serem uma espécie de ligação directa à alma da personagem. As suas reflexões penumbrosas pelos meandros da condição humana são, pois, monumentos na história da sétima arte.
Trata-se, portanto, de um privilégio poder assistir a mais uma obra deste artista já velho e que não realizava filmes há mais de duas décadas.
«Saraband» é comovente e espelha as principais obsessões presentes ao longo da sua obra, ou seja, é fiel à marca autoral. História(s) de família, das suas mágoas, medos, ódios e afectos, «Saraband» é um requiem sobre a solidão irredutível de todos os seres.
Mesmo que lhe falte o empolgamento das grandes histórias, só pelos retratos íntimos bergmanianos que fazem do actor a verdadeira ‘super-estrela’ do filme, já valeria a pena. Atente-se, por fim, na utilização (sublime) da música e na sua ligação umbilical com as circunstâncias que enredam aqueles seres.

"Mar Adentro" (2004), de Alejandro Aménabar

Se há filmes que mexem fundo nas emoções humanas – neste caso, pela história, as suas implicações morais e a riqueza humana das personagens –, este é indiscutivelmente um deles. A história de Ramón Sampedro é paradoxalmente um belo espelho da defesa da vida através da reivindicação do direito à morte. E se a história (real) é exemplar na maneira como coloca em perspectiva a ética perante a vida, a explanação cinematográfica dessa história tem o mérito de nos implicar com as personagens e, com isso, tornar-nos parte dela.
Fantástica interpretação de Javier Bardem, que faz confluir para o rosto (os olhos e o sorriso – uma outra forma de chorar…) a transmissão total das suas emoções. Mas o elenco feminino é de uma adequação e beleza interior a toda a prova.
Para além do nuclear, que é o trabalho dos actores e os respectivos retratos humanos (é isso que nos sensibiliza), fica na retina o travelling sonhado de Ramón que desemboca na praia – símbolo do sonho como último reduto de vida.
«Mar Adentro» dá-nos um retrato de um ser humano de uma enorme sensibilidade e convicção que passou por uma situação indigna por causa do questionável quadro legal sobre a eutanásia no seu país. Concorde-se ou não com isso, este é um filme obrigatório para reflectir sobre o assunto. Mas é mais do que isso, é uma história perturbante filmada e interpretada com enorme sensibilidade.

"Darkness - As Trevas" (Darkness, 2002), de Jaume Balagueró

O realizador espanhol Jaume Balagueró esperava que tivéssemos medo. E pode-se dizer que tivemos.
Depois da sua auspiciosa estreia com o perturbante thriller "Os Sem Nome", Balagueró regressa aos mesmos temas em "Darkness", embora agora com mais dinheiro, alguns actores afamados e uma maior depuração estética.
Falado em inglês e com actores como Lena Olin, Anna Paquin e Giancarlo Giannini, "Darkness" é uma história que lida com o medo mais ancestral – a escuridão. É um eclipse que simboliza o momento em que forças misteriosas vão espoletar terríveis acontecimentos. São os sentimentos de amor e os laços familiares que, paradoxalmente, convocarão o mal mais fundo, através de consequentes rituais macabros. É com isso que o espectador mais se implica e a história se solidifica, equidistante de Carpenter ("A Cidade dos Malditos") e de Polanski ("A Semente do Diabo").
Balagueró conta com grande fluidez uma história que não parece ter um plano a mais. Tem as sequências indispensáveis para mostrar o que pretende através de uma montagem elegante. Trabalha igualmente muito bem com os efeitos sonoros e com a construção plástica dos ambientes em que os medos se libertam e o terror ameaça.
Com uma mão cheia de sequências muito bem conseguidas (vide o final), este filme impõe o seu autor como um dos mais importantes nomes do actual cinema fantástico europeu, aquele em que os efeitos especiais não são os grandes protagonistas.

"Million Dollar Baby" (2004), de Clint Eastwood

«Million Dollar Baby» (esqueçamos o infeliz título português) é, de facto, um excelente filme. Assenta numa história simples, mas possui três extraordinárias personagens que conferem ao filme um realismo absolutamente fulminante (aqui o cinema é a antítese do artifício). O «boss» Clint Eastwood/Frankie é um homem amargurado pela vida, mas com uma réstea de esperança e auto-confiança que não o deixam cair no vórtice da desilusão. Aliás, possui no seu semblante qualquer coisa de finamente irónico que lhe dá charme e o resgata da comiseração. Morgan Freeman/Scrap (talvez a melhor interpretação do filme) é um ex-pugilista que vive num ginásio com os seus fantasmas e com a amizade não declarada daquele que foi seu treinador. Finalmente, Hilary Swank é uma espécie de anjo tenaz e desconcertante, apostada em trazer alguma luz à vida destes homens. Quase irreal de tão boa, Maggie procura a sua oportunidade, refugiando-se no treino que a impedirá de ir parar à temida «roulotte». As três personagens cruzam-se e depois, bem, depois é uma história de afectos, memórias, crenças e vicissitudes. Tudo muito natural (não naturalista, atenção!), esculpido na mais alta dignidade e orquestrado no limiar da ficção com um tom tão maduro que inspira respeito. É preciso ser um grande realizador para contar uma história tão tocante com tamanha depuração? Sem dúvida. Mas permitam-me destoar um pouco da tão reverencial recepção que o filme tem tido. Não me parece um trabalho genial de realização nem uma obra-prima absoluta. Essas concepções, já se sabe, são relativas, pelo que não adianta esgrimir argumentos. Apenas me parece, como se fosse pouco, ser mais um exemplo da maturidade (e mestria) de um realizador que já sabíamos ser um dos melhores em actividade. Continua, contudo, por ultrapassar o sublime «As Pontes de Madison County».

"O Aviador" (The Aviator, 2004), de Martin Scorsese

Mais uma lição de cinema do mestre. Prodigiosa cinematização da vida do excêntrico milionário Howard Hughes, desempenhado de forma fabulosa por Leonardo Di Caprio. Ao contrário das biografias politicamente correctas que abordam os principais acontecimentos da vida do biografado, do nascimento até à morte, «O Aviador» pega na personagem de Hughes e trabalha-a na sua essência sem se preocupar em ser abrangente ou linear. Mostra o fascínio de um homem com sonhos estratosféricos e paixões obsessivas. Dá a ver as contradições e vulnerabilidades de um génio tão humano e inspirador, sem o retirar das convulsões do seu tempo e das idiossincrasias do seu país. Combina o plano geral – a comédia involuntária que protagoniza com as suas manias e excentricidades – com o grande plano – a tragédia de um homem só com a sua vontade de transcender todos os limites. O cinema é obviamente o palco privilegiado para as façanhas humanas que ousam o alargamento de fronteiras – emocionais, afectivas, éticas ou políticas. Martin Scorsese é um artista maior desta sétima arte e aqui proporciona-nos uma maravilhosa incursão pelos sonhos e ambições mais desmedidas do ser humano. A sua genial realização convoca o imaginário do cinema e presenteia-nos com reminiscências de «Citizen Kane», «Tucker» ou «Larry Flynt», acrescentando à história dos filmes (mais) um retrato ímpar de um verdadeiro herói.
E se a perfeição técnica já não admira nas obras de Marty (grande montagem, fotografia e direcção artística…), vale a pena realçar a magnífica interpretação de Leonardo Di Caprio (quem anda distraído ainda é capaz de falar na sua bonita cara) e a estupenda galeria de secundários, com Alan Alda, Alec Baldwin, John C. Reilly e Cate Blanchett, entre outros.
Deliciemo-nos com «O Aviador», regozijemo-nos com o talento inato de Scorsese.

"Perto demais" (Closer, 2004), de Mike Nichols

"Closer" confronta-nos com um teatro de crueldade onde as relações humanas (sob o manto diáfano do amor) são uma espécie de guerrilha que propaga um estado de cicatrização permanente. As quatro personagens principais enredam-se na teia que vão criando à medida que não deixa espaço para a pureza ou a mínima réstea de ingenuidade. Quanto mais perto se encontram mais fundo se agridem. Os diálogos são cortantes e os actores são brilhantes nesse jogo do faz-de-conta que é a representação. Sendo injusto destacar algum, Clive Owen merece especial referência pela forma como combina a técnica com o olhar e a voz. Mike Nichols brilha com a adequada encenação minimalista que potencia o mérito das verdadeiras vedetas (texto e actores), conseguindo aqui talvez o seu melhor filme.
Um excelente filme, que não nos deixa nada bem dispostos, mas ajuda a compreender a tortuosidade de muitas relações.